YOPINTOCONARTE | Escuela Privada de arte contemporáneo

En estos últimos años el dibujo ha cobrado importancia en todos sus formatos. La figura, la imagen de referencia, el claro oscuro, los lápices de colores, las sombras delicadas del pastel. Este arte de la Ilustración que nos enseña a dibujar, haciendose real, a base de contornos y líneas de expresión, un dibujo realizado con esfuerzo y mucha pasión por este arte.

El dibujo como forma de comunicación visual no ha cambiado desde los primeros dibujos que encontramos en las cavernas. Hoy en día medimos nuestros logros por el resultado de nuestro esfuerzo, en lugar de hacerlo por el grado de satisfacción que experimentamos en el proceso de trabajo. El dibujo ha sido desde el principio la respuesta estética del artista, la expresión de ideas o sentimientos puros, pero muy a menudo el artista se deja influir por las consideraciones externas especialmente por el deseo de triunfar o ser reconocido, tal es así que sin darnos cuenta esta forma de proceder nos conduce a la limitación bloqueando así el talento del artista, llevándole a hacer imitaciones de otras obras perdiendo así la individualidad. La satisfacción no procede de la perfección ya que en el arte es muy difícil que exista. Posiblemente nuestros artistas más primitivos tuvieron la capacidad de expresarse sin pensar en los premios, ni en la competición, lo cual les hacía libres pudiendo dar

El puntillismo Estilo pictórico que surge después del postimpresionismo ___________________________________ ¿Que es el puntillismo? Se trata de un estilo que consiste en pintar una obra a base de puntos de colores puros en vez de extender la pintura con el pincel.  Nace con  Georges Pierre Seurat   en 1880.     Tarde de domingo en la isla de la Grande  Jatte  George Pierre Seurat  1884 Óleo sobre lienzo, Neoimpresionismo                                                                                          Sus acercamientos  a la geometría estuvieron muy influenciados por Charles Henry,  un matemático interesado la ciencia de la estética. Este trató de definir un conjunto de leyes relacionadas con el color y las líneas con un origen común a aquellas que rigen la música. Hubo otros científicos importantes en la obra de Seurat, quién trataba de perfeccionar las ideas con las que había experimentado en la Grande Jatte. Para sus temas volvió al impresionismo,

El lápiz Está compuesto por una barra de grafito, mezclado con arcillas para darle mayor o menor dureza e impregnado con cera,  El grafito se usa principalmente para lineas. Es mas delgado el carboncillo  y eso  limita bastante, se utiliza mas para trabajos de detalles y definiciones. El lápiz se trabaja en papel Blanco o de Color, con una goma se pueden sacar luces lo mismo en el carboncillo que en el lápiz se fija con spray. Los lápices se califican usando letras H duro B para el grado de oscuridad así como el F punto fino ,el lápiz estándar para la escritura es el HB . El grafito es mas rígido que le carboncillo.   El carboncillo El   carboncillo es simple carbón de madera quemada, la mejor para dibujar es la de ramas de tilo. Se usa para trazar el dibujo en  el lienzo, con el dibujamos lo que vamos  a  pintar y si te equivocas se borra fácilmente pasando un trapo deja una señal tenue que permite rectificar y pintar encima. Se pueden hacer trabajo

Hace cincuenta años de solamente de la pintura acrílica, mientras qué el oleo  se utiliza  desde el siglo XV. El acrílico se considera como una  pintura plástica siendo sin duda un medio muy versátil.  Los acrílicos fueron inventados en los años treinta para ser utilizados en pinturas murales para  exteriores, siendo muy apreciada por su rapidez al secarse.  Esta característica hizo posible que pintores  contemporáneos y del al pop art   como , Andy Warhol , Frank Stella o Roy Lichtenstein .  trabajasen el expresionismo con grandes capas de pintura, utilizando a menudo el color directamente del tubo o vertiéndolo sobre el soporte, sabiendo que la pintura se secaría mucho más rápido que el óleo, Permitiendo empastes de gran resistencia frente al óleo, el cual tiende a cuartearse si hay un engrosamiento excesivo del mismo, como es el caso de Jackson Pollock y sus obras cargadas de dinamismo y con una gran carga de pintura. Otros pintores de la misma época emplearon los mism

A base de pigmento blanco y aceite de linaza

En abril de 1890 Marie Cassat escribió emocionada a una amiga y vecina de Bherte Morisot invitándola a visitar una gran exposición de grabados Ukiyo-e japonés. Marie Cassat fue una entusiasta coleccionista de los grabados japoneses, su interés por experimentar con grabados fue utilizado por muchos artistas y Pizarro desde 1879, año en el que los tres artistas se unieron para editar una revista sobre arte con innovadores grabados, en la quinta exposición de los Ukiyo-. La pintora inició una obra compuesta por una serie de 10 grabados en los que se invitaba a los métodos japoneses basándose en la temática de la rutina diaria de las mujeres de la época. Tardó prácticamente un año para terminar las imágenes ya que, necesitaba varias planchas, una para las líneas y otra para cada uno de los colores, constituyéndose así una obra única. En abril de 1891 había conseguido realizar 25 series de 10 grados ,que se expusieron y se pusieron para la venta. Existe un dibujo de cassatt 

Charles Blanc rueda de color El divisionismo también llamado como cromoLuminarism fue el estilo característico en el neo-impresionismo pintura definida por la separación de colores en puntos individuales o partes que interactuaron de forma óptica. Al exigir al espectador a combinar los colores ópticamente en lugares de mezclar físicamente los pigmentos , los divisionistas creían que estaban logrando la máxima luminosidad posible Seurat. El estilo alrededor de 1884, Como cromoLuminarism, sacando de su comprensión de las teorías científicas de Michel Eugene Chevreul, Ogden Rood y Charles Blanc entre otros. El divisionismo es  desarrollado junto con otro estilo el puntillismo que se define específicamente por el uso de puntos en la pintura y no necesariamente se encentran en la separación de los colores. El divisionismo desarrollado la pintura en el siglo XIX los artistas descubrieron teorías científicas de la visión que anima un alejamiento de los principios del impre

APRENDIENDO DEL PASADO Antes de que se fundaron las escuelas de arte, la mayor parte de los artistas aprendían a pintar en estudios de pintores conocidos. Mientras estos eran aprendices copiaban  la obra original de su maestro. Esta tradición de la copia de obras anteriores se mantuvo viva bien entrado el siglo XIX. Entre los impresionistas Renoir por ejemplo, copio obras de grandes maestros del siglo XVIII. De los que aprendió a plasmar su amor por la luz y por los colores luminosos. A medida que fue evolucionando la enseñanza del arte, la copia de los antiguos maestros era fundamental para la formación de cualquier artista que se iniciaba  la pintura, creyendo que esta práctica es muy valiosa en la educación de los artistas, ya que la copia de un cuadro induce al análisis de la composición y de la manera que el artista trabaja los colores. Todavía hoy en día hay muchos artistas que copian, aunque lógicamente no es ya obligatorio en la enseñanza del arte. Pero no es

Camille Pissarro nació el 10 de julio de 1830 donde sus padres tenían una floreciente empresa de partes para navíos en el puerto de Charlotte Amelie. En 1847, tras concluir parte de sus estudios en Francia, regreso para ayudar en el comercio de sus padres. Mientras que en esos ratos libres se dedicaba a dibujar.  Posteriormente abandonó su casa debido a la oposición de sus padres a que se convirtiese en artista. En 1852 viajo a Venezuela, acompañada de su maestro el pintor fritz Melbye, dedicándose plenamente a la pintura, realizando paisajes y escenas costumbristas.  El 1855 se trasladó  a París, donde asistió a la Escuela de Bellas Artes dotada de un marcado corte académico. Influenciada por la pintura de  Delacroix y sobre todo  por el maestro Ingres.  Entre 1859 y 1861, frecuentó diversas academias entre  las que destacaba la del del Padre Suisse, donde conoce a Claude Monet, Paul Cézanne etc. Su estilo en esta época era bastante tradicional y se le asociaba con la

Los simbolistas y postimpresionistas, especialmente Gaiguin  y Van Gogh, usaban colores vivos, aplicados con gruesas y amplias pinceladas o en superficies relativamente grandes haciendo del color un uso apasionado y liberador de las emociones del artista. Con la idea de que al manipular el color de esa forma, se podría expresar no solo a los objetos sino el estado de ánimo que provocaban .           Paul Gauguin,  Nafea Faa Ipoipo                Campo de trigo con cuervos  (julio de 1890)  Pintura al óleo     (¿Cuándo te casas?) , 1892                                           Museo Van Gogh ,  Ámsterdam .                                              Imagen de wikipedia.org/wiki/Paul_Gauguin                     Imagen de     es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh En la obra de Matisse, por ejemplo, el pintor simplifica el trazo dándole una escasa importancia al modo en que los objetos son percibidos por el ojo en la vida real. Kandinsky desarrollo una especial teoría de

Los impresionistas pretendían utilizar en sus pinturas los nuevos hallazgos sobre la naturaleza de la luz y la teoría del color ,lo que los llevó al empleo de los complementarios para aumentar los contrastes y a la disposición en el lienzo de colores puros que producían en la retina del espectador la mezcla de pigmentos que hasta entonces se realizaba en la paleta del pintor. El columpio  (1876), óleo sobre lienzo Imagen de  wikipedia.org/wiki/Pierre-Auguste_Renoir

Desde la edad media se produjo una lucha entre el color y el dibujo en la pintura europea. El academicismo había  concedido al color un respetuoso segundo concediendoles protagonismo al  dibujo y la línea.  Solamente algunas personalidades como Goya o Turner, dieron a la mancha y al color un puesto protagonista en sus obras, algo muy  característico  de la  pintura victoriana posterior. El resto incluso valoraba la uniformidad cromática que convertía casi todos los tonos en pardos, tierras y ocres,llegandose a decir que un buen cuadro debía tener el color de un  instrumento musical de madera. Imagen de it.wikipedia.org

La pincelada y la mancha son elementos muy importantes en la técnica de los pintores de la edad contemporánea. La pincelada gruesa no es un invento del impresionismo, lo utilizaba muchos maestros antiguos como Tiziano, del que se decía que daba directamente los colores con las manos,   pero ciertamente la importancia del acabado es uno de los requisitos de la pintura académica.  El efecto abocetado  fue buscado por otros discípulos de Goya como Leonardo Alenza   Leonardo Alenza. Posible autorretrato hacia 1824. y se convirtió en una seña de identidad de los pintores rupturistas del realismo y el impresionismo. Además de Goya otra de las fuentes que condujeron los pintores franceses a esta dirección fue el inglés Turner. Sin embargo, la mayor parte de los pintores ingleses de la época, y especialmente los prerrafaelistas, optaban por reforzar los acabados. (Imagenes de es.wikipedia.org)

Muchos artistas deciden dibujar con ordenador después de haber trabajado con diferentes técnicas tradicionales, pero podemos comprobar  que la ilustración por ordenador no es tan diferente. Aunque es normal qué cause respeto a los artistas que están acostumbrados a los métodos tradicionales. Muchos de estos paquetes informáticos son fáciles de usar y una vez que se comprueba los resultados que se pueden conseguir con el dibujo digital llegan incluso a ser adictivos . Sin duda es  el programa más popular y más usado E s el  Adobe , usado para la edición, retoque de fotografías y como lienzo de pintura digital. Es muy bueno para realizar nuestros trabajos digitales ya que nos permite seleccionar nuestras imágenes para intervenirlas con una gran variedad de herrramientas , tales como   pinceles, texturas,, modificadores del color,    filtros,  capas…. Si quieres dedicarte profesionalmente a la ilustración debes aprender el manejo de este programa. Clases de ilustración y pintura di

Raffaello sanzio 1483 -1520 Conocido también como Rafael de Urbino o simplemente como Rafael fue un pintor y arquitecto italiano del alto renacimiento.  es considerado uno de los tres más grandes maestros del Alto Renacimiento, junto con Michelangelo y Leonardo da Vinci . Su obra    vinculada a la escuela florentina fue duradera  a lo largo del   Renacimiento italiano . Su formación comenzó en el taller de su padre,  posteriomente siguió su formación en el taller de Pietro Perugino,  mas tarde comenzó un periodo muy productivo, bajo la protección del   papa Giulio II , Giuliano della Rovere (1443-1513) y de su heredero, Leone X, Giovanni di Lorenzo de' Medici (1475-1521). Los retratos que Raffaello realizó de ellos están expuestos en la Galería los Uffizi.  El arte de Raffaello tuvo una gtandisima expansión ,gracias también a su cooperación con el grabador Marcantonio (1480-1534), que realizó unas cincuenta impresiones de sus obras, algunas copias de pinturas y otras ejecu