YOPINTOCONARTE | Escuela Privada de arte contemporáneo

El realismo es una corriente que se desarrolló a mediados del siglo XIX de la mano de Goustave Courbet, el cual le dio nombre a este movimiento artistico. El  realismo, como su nombre indica muestra la realidad tal y como es , cobrando así  importancia la denuncia social y los convencionalismos de los burgueses.

ARS ICUE Esta exposición muestra la trayectoria de dos movimientos artisticos de la mano de los pintores Soriano y Mota. Se puede visitar en el centro cultural Ramón Alonso Luzzy del  13 de octubre al 6 de noviembre .

ESTE VERANO NO TE QUEDES SIN UN TALLER HECHO A TU  MEDIDA

Los interiores burgueses son tratados por THERBORCH    METSU,   maestros inclinados a representar telas de raso y terciopelo y muebles caros, para crear ambientes refinados. Pero el más delicado, y una de las máximas figuras de la pintura barroca,   y VERMEER,   en cuyas composiciones la luz alcanza unas utiliza su prima. Con mayor sensibilidad que otro pintor de interiores, Vermeer capta la suavidad de las luces dentro de las habitaciones, iluminando figuras silenciosas, como la lechera, a la mujer que cose o el pintor en su taller, los objetos de la vida cotidiana, jarros, mesas, sillas, telas están tratados con la misma unión que los retratos .

El paisaje es un género cultivado de forma preferente por los maestros de la escuela, de entre ellos destacan Ruysdael y  Hobbema. Los paisajes holandeses son inconfundibles, la linea de horizonte es muy baja, con lo cual el cielo de las nubes eléctricas ocupan la mayor parte de la tela, las luces que se filtran a través de ellas y se reflejan en las aguas son el elemento fundamental.  Aún coincidiendo en la manera de concebir el tema de los maestros definen la sensibilidad Ruysdael( el molino de viento  que se encuentra el Museo de Amsterdam)   prefiere las luces de tormenta, el viento, las aguas alborotadas de la Cascada,  Hobbema( avenida de Middelharnis)   mas sereno, se inclina por los paisajes estéticos, por los arboles erguidos y los caminos que se alejan hacia el horizonte. En un país cuya vida depende del Mar no podían faltar los pintores de marinas, como van de Capelle .Ni, como reflejo de una actividad económica, los que utilizan el paisaje como encuad

Mientras otras escuelas manifiesta en la clara preferencia por un género determinado, por ejemplo Flandes por la mitología y España por los temas religiosos, en Holanda se presta una atención a los géneros más diversos, y podemos encontrar maestros dedicados a plasmar escenas aldeanas, interiores burgueses, paisajes, retratos, bodegones y flores. La vida rural encuentras un tratadista más entusiasta en hostales, pintor dotado de cierta vena satírica, que plasma sus escenas de aldeanos con pincelada suelta y intensos efectos de luz. Los aldeanos que cantan y viven en la taberna componen su argumento preferido sus obras más revolucionarias en cuanto a la técnica son las que actualmente se encuentran en la Galería Nacional de Londres.

Holanda va a escribir en el Barroco una de las páginas más brillantes del arte de la Edad Moderna país y sociedad originales su pintura como reflejo va estar dotada de una fascinación especial. En primer lugar la personalidad de Holanda está en gran parte definida por el mar; por su condición de tierras bajas el mal ha sido siempre amenaza pero también un elemento con el que se ducha y con el que se domina. Tierra llana en la que sin obstáculos de relieve puede contemplarse un cielo de nubes pocas veces se ve no con agua por todas partes en sus canales, sus mares interiores, los innumerables lagunas los reflejos y la amplitud de de los horizontes sensibilizan la pupila de sus pintores.  Para plasmar la tierra que ya me los holandeses no pueden servirse de la arquitectura y la plástica escultórica, artes que no han cultivado, por ello hacen del lenguaje pictórico el  vehículo expresivo, es pueblo de pintores  .En otros países subsistiría cierta idealización del paisaje, en Holanda

A lo largo de los siglos XVIII y XIX, 30 eruditos continuaría en el trabajo de Newton .El primer círculo cromático  ó   rueda cromática dividido en casillas coloreadas ,fue elaborado por el padre Castlel en su Optique des couleurs de Escola en 1740. Posteriormente, aparecieron series ópticas más precisas que representaban los colores del espectro solar, según su orden de sucesión visible en el arco iris y según la descomposición de la luz establecida por Newton. El círculo cromático y el esquema de los colores espectrales obsesión los artistas un código de referencias,  que al precisar y las relaciones entre los colores le facilitaron su utilización. Asimismo, fijaron un vocabulario cuyas definiciones constituyen desde entonces parte del estudio del color.

El descubrimiento del círculo cromático Los pigmentos que disponían los pintores se fueron diversificando progresivamente partiendo de una gama limitada en la Edad Media hasta una variedad considerable en la época industrial. Además de esta evolución de los productos, que resulta esencial para comprender predominio en la utilización de uno u otro color en una determinada época, la percepción óptica así como la comprensión intelectual de lo que es el color posee una importancia determinante. El color era considerado por aquellos que intentaban analizarlo como una cualidad de la materia .En la Edad Media se definió como brillo y se relacionó con la luz, aunque no de una manera física razonada, sino de forma metafórica.A partir del siglo XVIII una verdadera revolución conceptual, cambio por completo nada haciendo el color.Determinados descubrimientos y experimentos revelaron su naturaleza de realidad física o, más en concreto, óptica y en consecuencia ,al mismo tiempo fisiológica, un o

El hiperrealismo es una tendencia de la pintura realista que surgió en Estados Unidos a finales de 1960. Las obras se reproducen con una fidelidad casi fotográfica. En España algunas de las figuras más relevantes del hiperrealismo son, los pintores Antonio López ,Eduardo Naranjo  o Gregorio Palomo .En el caso de Antonio López en especial,una de las características de sus obras es que no utiliza fotografías.

 Os animo a que os suscribáis, este chico es muy bueno  con el dibujo digital.  Realmente espectacular .

La escultura Camille de 1886 está modelada en masa de vidrio, un material blando y delicado , indudablemente se  asociaba con la fragilidad de su amada que entretanto había cumplido 25 años. Asombra en este rostro , la mirada fija que vaticina el tormento que se escondía detrás de la ecuanimidad y que acabaría por ensombrecer el espíritu de Camille.  Frecuentaron juntos los ambientes artísticos y culturales más importantes del París de la época y pasaron juntos largos períodos fuera de la ciudad.  Siempre aspiro a a ser la única mujer  de Rodin  pero este  unido sentimentalmente a su  mujer, Rose Beuret, no tendrá intención de abandonarla en el futuro para casarse con Camille. 

La acuarela se distingue principalmente por su transparencia y su característica de poder emplearse muy acuosa. Así el pimiento se emplean diferentes grados de disolución conocidos como aguadas y el brillo del papel blanco ,se deja entrever a través de las aguadas más claras ,creando de este modo efectos de luz maravillosos.

Este es uno de esos primeros paisajes al óleo, en el que nuestra artista va modelando las formas, pincelada a pincelada.Un trabajo excelente para tan corta edad.

Una reproducción en color no es tanto una copia como una interpretación. Este trabajo puede tener ciertas semejanzas, pero al final es siempre el que lo dibuja el que pone algo de sí mismo en su trabajo, estas reproducciones nos ayudan a perfeccionar nuestra técnica y a sacar de nuestra creatividad, trabajos importantes que a la larga sean solamente nuestros.

Una representación viva de un tema floral,resuelto de forma sobresaliente. En el que la alumna explora sus límites sin apartarse de la mancha, de las sombras, para dar forma a esta bella pintura al pastel con un ejercicio disciplinar.

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Los primeros grabados japoneses sobre madera llegaron a Francia en la década de 1850, volviéndose populares rápidamente. Muchos de los impresionistas y las coleccionaba estos grabados que inspiraban las ideas  de los impresionistas, referentes al color y a la forma, en el que se revelaba un concepto totalmente distinto de la composición Occidental.En las ilustraciones japonesas  se usaban los campos de color cómo contornos  estilizados, el lugar de la ilusión del espacio más allá del plano de la imagen, mientras que los artistas europeos crean un sentido del espacio y de la profundidad, empleando la perspectiva. Los grabadores japoneses introducen una relación con el espacio, al colocar un objeto detrás del otro solapando los diferentes planos, los diseños de estos grabados representaban pistas completamente inusuales y figuras cortadas por el borde de la pintura, repitiendo el efecto de la fotografía instantánea. Este hecho hizo inspirar  muchas de las composiciones de los impresionis

Más de la mitad de sus pinturas tanto de oleo o como de pastel, representaban a bailarinas que actuaba en los entreactos de la Ópera de París. A partir de 1870  las empezó a retratarlas con obsesión tanto en el escenario como en sus camerinos, durante el ensayo o incluso descansando.  Las bailarinas posaron en más de una ocasión para él en su estudio, ya que el pintor se sentía intrigado por lo que ocurría también detrás del escenario de la ópera. Son muchos los cuadros de Degas sob re las bailarinas,  un ejemplo es el de la bailarina estirándose en la barra pastel de 1877 a 1880; la presencia de la barra implica que Degas hizo este dibujo al pastel en una sala de ensayo. Aunque prefería que las bailarinas acudieron a su estudio está pose no se encuentra en ninguna de sus posturas. Otro ejemplo es el de tres estudios de una bailarina en cuarta posición de 1879 a 1880, de nuevo un pastel para este estudio en carboncillo y pastel.

Durante la década de 1870 París fue la capital europea del teatro, mientras que durante el día se llenaban los cafés conciertos, por la noche eran muchos los que acudían a la ópera en los teatros. Casi todos los teatros, siendo grandes o pequeños, tenían palcos que proporcionaba un marco pictórico ideal para el pintor.Normalmente el acompañante masculino se situaba detrás de su pareja, de este modo ella podía exhibir todas  sus cualidades, esto se puede percibir en una de las obras de Renoir el palco El palco de Auguste Renoir de 1874 óleo sobre lienzo Es uno de los cuadros impresionistas más apreciados qué logro escapar a la crítica. Cuando se presentó a la primera exposición impresionista los palcos de los teatros tenían dos fines ver y dejarse ver. Ramillete de flores en el palco the August Renoir de 1871 En este ordinario bodegón Renoir pintó un pequeño ramo de capullos de rosas descansando sobre la silla de terciopelo rosa de un palco, esos ramilletes envueltos en un pap

Berthe Morisot  "Al levantarse", óleo sobre lienzo de 1886 La sensualidad de la escena de dormitorio evoca al mundo de los maestros del rococó del siglo XVIII, este efecto se acentúa más por la cama del siglo Luis XVI. A pesar de que la atmósfera resulta pacífica, la composición de la obra se compone de múltiples toques de pintura blanca roja azul y verde, haciendo de ella una pintura animada. Madre e hijo de Marie Cassat lápiz sobre papel de 1891 Los rituales de intimidad del día a día entre madres e hijos eran un tema frecuente en la obra de Maria Cassatt, sobre todo desde desde 1870. Este dibujo es un estudio preparatorio para uno de sus grabados en color qué trataba de la reuniónes familiares  femeninas ya se percibe la influencia de los grabados japoneses que la pintura admiraba al igual que los coleccionaba, Marie Cassat el té de las cinco óleo de 1880 Esta obra retrata perfectamente la visita de una joven a la que su anfitriona le ofrece una taza de té

Durante un largo tiempo las impresionistas femeninas fueron ignoradas por todos los historiadores de arte, solamente por el hecho de ser mujeres ,esta condición las excluyo de la vida pública del París moderno ,que era el objetivo central de sus colegas masculinos. Algunas mujeres respetables como Berthe Morisot ,Marie Casstta etc, no eran libres para poder pintar en bulevares y en los café-conciertos , así es que el arte les quedaba confinada al mundo de la familia, su casa y jardín etc. Sus familias posaban como modelos,aunque sí que es verdad, que no era un tema exclusivo femenino, ya que Renoir, Monet ,Degas Pissarro, pintaron escenas de la vida de casa produciendo bellas naturalezas muertas. Un claro ejemplo es el de Marie Bracquemond    El té de la tarde , de 1880 óleo sobre lienzo la mayoría de sus obras fueron realizadas en el jardín ,su marido también artista, celoso de la obra de su mujer intento obstaculizar la carrera de esta.

La calidad de la línea depende básicamente de dos factores, el medio y el papel .Los trazos se pueden realizar a través de bolígrafo ,lápiz conté ,lápiz blando, rotulador de punta de fieltro de ancho mediano, rotulador de punta fina, lapiz rotuladores de punta de fieltro gruesa ,carboncillo etcétera Es preciso experimentar con diferentes herramientas para realizar tus dibujos.

Muchos artistas deciden dibujar con ordenador aunque anteriormente hayan trabajado con los métodos tradicionales de distintas maneras, aunque al principio la idea produce respeto, muchos de los paquetes informáticos son fáciles de usar. Las herramientas imprescindibles para realizar ilustraciones con ordenador son: un ordenador personal, un paquete de software y un aparato para escanear el material todo esto formará parte de los materiales de ilustración.Los escáneres de mesa suelen ser los que dan mejores resultados, disponer de un equipo necesario es una inversión considerable pero realmente merece la pena . La fotografía personales son  muy útiles para el proceso, una vez recogidas las imágenes que uno quiere utilizar las escanea y las va introduciendo en el disco duro del ordenador y a través de herramientas y efectos de capas se logrará una composición que dará lugar a una ilustración digital. El ordenador requiere el dominio de las herramientas, estás herramientas nos permiten

Si se superpone una capa de barniz cuarteador sobre una obra que se ha realizado con pintura acrílica,lo que se consigue es imitar superficies cuarteadas propias de las obras antiguas .Este barniz se compone de dos soluciones diferentes, que se deben aplicar en el orden correcto porque sino, no se puede lograr el efecto de cuartear. El barniz tiene un aspecto lechoso,  pero al secar se vuelve transparente, muy parecido a la cola,se puede añadir color sobre el barniz para poder resaltar las grietas, así como añadir pigmento puro a la capa final a fin de que la obra parezca aún más antigua.

Los escalpelos se utilizan para hacer correcciones en casi todos los medios,  tenemos que asegurarnos de que la hoja del escalpelo esté limpia y afilada y se  empleará una hoja de tamaño 10 A, que tiene la punta puntiaguda, ideal para eliminar detalles que se han convertido en errores. Cuidado si se usa sobre papeles que tienen poco peso, ya que se pueden rasgar . A veces  es posible rectificar errores cometidos en dibujo técnico con un escalpelo, conviene que rasquemos en una sola dirección ya que así evitaremos que la superficie del papel se rasgue. Realizar la corrección el papel parece rápido, se puede pulir con cuidado con la uña o otro objeto duro y redondeado www.lateliercanson.es

Todos somos conscientes de que cometemos errores alguna vez, pero antes de echar el trabajo a perder y sumergiéndose en la desesperación es importante aprender los siguientes consejos: Los errores se corrigen de diferentes maneras dependiendo por supuesto del medio en el que se trabaja, existe también la posibilidad de no corregir y adaptar el error de la obra aprovechándolo, es importante colocar una hoja de papel debajo de la mano, porque así se evitará qué ensuciemos la superficie de trabajo. El papel de cocina resulta muy útil para secar el agua que se va vertiendo para rectificar el exceso. El equipo básico para corregir los errores es imprescindible, la goma maleable es muy versátil y muy corriente a la hora de dibujar ya que no suelta suciedad y podemos darle la forma que deseemos.  Es muy útil usar el gouache cuándo en una ilustración donde pudiemndo usar éste cómo goma con el fin de volver a pintar encima. Aprender a corregir errores  ahorra al estado mucho tiempo, un

La obra los bañistas en la Grenoullére de Claude Monet es la que representa con mayor claridad todas las características del impresionismo. Es sin duda Monet un maestro la pintura al aire libre, donde captaba a través de sus ojos, lo que llamaba los efectos más fugaces de la naturaleza empleando colores puros y claros. También rechazaba las técnicas de acabado elaborado del arte académico y abandonó los tradicionales temas históricos y religiosos Este es uno de los primeros ejemplos del nuevo estilo en el que Monet ,logra crear la impresión viva de la actividad bulliciosa en la Grenouillere y el efecto centelleante de la luz del sol sobre el agua.

La acuarela se distingue principalmente por su transparencia y su característica de poder emplearse muy acuosa. Así el pimiento se emplean diferentes grados de disolución conocidos como aguadas y el brillo del papel blanco ,se deja entrever a través de las aguadas más claras ,creando de este modo efectos de luz maravillosos.

No hay nada como la linea para describir una forma .Desde tiempos inmemoriales ,el ser humano ha querido reproducir el mundo que le rodea.Hoy en dia podemos escoger entre una amplia gama de medios para producir lineas y sombreado,grafitos,lapices conté,lapices de colores,de pastel etc.

Inicialmente el impresionismo fue contemplado con menosprecio e incluso irrisión, se pregunta uno ,cuáles fueron los motivos para considerar las pinturas impresionistas tan ofensivas, y de qué manera se revolucionaron sus artistas los estilos que se apartaban de las técnicas tradicionales. Me gustaría definidos  qué es el impresionismo el cual supone,un desafío a una definición muy sencilla .Aunque en la actualidad,constituye el movimiento artístico más popular en Occidente .En sus comienzos se mostraban pinturas que se consideraban ofensivamente inacabadas, pinturas como bosquejos. En el impresionismo existían dos líneas fundamentales ,una era la representación de la vida moderna y la otra la pintura al aire libre ,aún así el pintor Degas se negaba a pintar al aire libre a pesar de sus diferencias con Monet ,Berthe Morisot ,Renoir etc. Que lograron desarrollar un nuevo método de representar el mundo exibiendo sus obras impresionistas en París. El París moderno fue el catalizador,

En este ejercicio, se trata la foto con el fin de exagerar y distorsionar la apariencia de una persona. En este caso, de forma humorística, nuestro alumno, ha recogido los rasgos más marcados de esta persona y lo está exagerado, con el fin de conseguir en este una caricatura.

Un trabajo minucioso de la mano de una de nuestras alumnas a la que le apasiona la pintura.

 La palabra   óleo ,  proveniente del latin oleum  (aceite)  esta técnica consistente en mezclar los pigmentos de color  con un aglutinate a base de aceite casi siempre  de origen vegetal.Se llaman   óleos  a las pinturas realizadas mediante esta técnica, que admite soportes tales como : metal, madera, piedra, tela o lienzo,etc

Tuvimos el placer de asistir a la inauguración de la exposición de    las obras de Jean  Carlos. Pudimos observar una serie de cuadros  en los que aparecen los espejos, mostrandonos asi las caras de una misma persona. Lo podéis visitar en la Galería   Léucade

El  entintado  es un proceso del dibujo que consiste en realizar una página en blanco y negro a partir de otra previa, denominada  lápiz final , con el objetivo de conseguir una imagen limpia y fácil de comprender visualmente, marcando los detalles que en lápiz final no se pudieran apreciar y, además, facilitando la posterior aplicación de color. El proceso de entintado no es simplemente calcar la obra del dibujante a blanco y negro. El encargado de realizar el entintado, el entintador, es otro artista que puede dar, en este proceso, nueva carga visual a la obra del dibujante, dependiendo de las técnicas aplicadas, centrándose más en los grosores de los contornos, en el detalle de las texturas o el efecto de la luz en las formas dibujadas. Más allá de lo que alguien que no tiene experiencia en este campo pueda imaginar, un mismo lápiz final, entindado por distintos entintadores, puede dar como resultado obras completamente distintas y personales.   https://es.wikipedia.org/wik

No hay nada como la linea para describir una forma. Desde tiempos inmemoriales ,el ser humano ha querido reproducir el mundo que le rodea. Hoy en día podemos escoger entre una amplia gama de medios para producir lineas y sombreado, grafitos, lapices conté, lapices de colores, de pastel etc.

La Navidad se pinta del color de tus emociones más  profundas   Aunque el tiempo transcurra de prisa, la Navidad nos deja  instantes  eternos .